A project, Light Wall.

Light Wall, 2017. Boceto.

Light Wall, 2017. Boceto.

Light Wall, 2017. Boceto.

Light Wall es una obra pensada para experimentar la luz como onda que ilumina, y la luz como materia que podemos sentir. 

Experimentar la luz.

Atravesar el muro de luz como si fuera una frontera. 

The Dance

"The Dance 1" y "The Dance 2" 2016. Acrílico e impresión digital sobre papel, pegado a la pared.

LA DANZA DE LAS ABEJAS.

La danza es el sistema de comunicación por medio de cual las abejas obreras (Apis mellifera) se transmiten entre ellas distancia y dirección de las fuentes de polen, único alimento de las abejas. Las abejas pueden realizar dos tipos de danza, según sea la distancia a la que se encuentra el polen de la colmena.

La danza más sencilla (fig.1) consiste en una serie de movimientos circulares sobre el panal. La abeja lo realiza cuando el alimento está cerca de la colmena. Al terminar la danza, las abejas sa- len y empiezan a hacer vuelos concéntricos alrededor de la colmena hasta que encuentran el po- len.

El segundo tipo de danza es más complejo, en él la abeja transmite los datos de distancia y direc- ción de las flores a polinizar. La abeja ejecuta movimientos con forma de ocho horizontal

(fig.2). La línea central ondulada indica el ejercicio que hace la abeja, que se llama meneo, y con- siste en oscilaciones del abdomen. La dirección de la línea del meneo respecto al Sol es la que indica hacia qué punto está orientada la fuente de polen. Así mismo, según sea la intensidad del movimiento del abdomen será la distancia de la comida. Cuando la abeja termina, otras abejas repiten la danza en los mismos términos, de forma que todo el enjambre queda informado de la situación de la fuente de alimentación. En ese momento las abejas emprenden vuelo en línea recta en la dirección de las plantas que van a polinizar.

La posición del Sol es fundamental para señalar el lugar de las flores respecto a la colmena, en los días nublados las abejas se pueden orientar pues sus ojos compuestos tienen sensibilidad para captar la luz polarizada. Además, las abejas son sensibles al campo magnético de la Tierra, lo que les permite una gran precisión en la transmisión de los datos.

Para percibir la danza en la oscuridad de la colmena, las abejas disponen de tres ojos simples que les permiten ver dentro de ella.

Fig. 1

Fig. 2

Nectar: War Upon the Bees/Pratt Manhattan Gallery/NYC.

Carlos Schwartz, "The Dance 1" y " The Dance 2" 2016. Instalation view.

Nectar: War Upon the Bees

December 9th, 2016 – February 11th, 2017        

 Pratt Manhattan Gallery

144 West 14th St, Second Floor, New York, NY

Historically, bees have had a great reputation. For centuries they have been associated with superior moral qualities, and have held very positive symbolisms—things like hard work, diligence, wisdom, spirituality, humility, communication, physical and spiritual cleanliness. Until recently, that is. Today, bees (and, to some extent, birds, and other less vital pollinators) are held in considerably less esteem. Now, they are more likely to be associated with all sorts of problems—environmental destruction, the mismanagement of agriculture, the ravages of greed. In fact, even as this essay is going to print, the English daily, the Guardian, reports that seven types of bees once abundant in Hawaii have become the first bees to be added to the US federal list of endangered and threatened species.

Nectar: War upon the Bees is a visual essay on the mortality of pollinators as a consequence of the faster-bigger-cheaper approach to food production that is steadily draining our planet's resources, and that could ultimately provoke the collapse of our civilization. The wisdom of cultures across the globe has long told us that Nature is full of extraordinary connections. Hence our exhibition will also reflect on the interconnectedness of the bees with current world events—many of them urgent to our survival. However, be forewarned: The threat to our food sovereignty triggered by patent-protected genetically modified seeds may be difficult to face, and probably more difficult to control, given the $66 billion merger of Bayer and Monsanto, dubbed by some critical press the “merger of two evils,” just a few months ago.

The projects of the nine artists selected for Nectar are unequivocally committed to the theme, yet their scope is expansive and their nuanced associations and references converge into a compilation of images rich in social awareness and engagement. As an overview of the current situation, the works are incisive, insightful, and endowed with the flair of a special kind of art – one that directs our eyes and thoughts to what is happening around us. Curated by Berta Sichel, the featured artists include Suzanne Anker, Luis Fernando Ramirez Celis, Juan del Junco, Kelly Heaton, Marine Hugonnier, Ellie Irons and Anne Percoco, Lucía Madriz, Beth Moysés, and Carlos Schwartz.

Works by C. Schwartz, Suzanne Anker, Kelly Heaton, Juan del Junco and Marine Hugonnier.

Papier / Paper V - ZEICHNUNG. Clement & Schneider Galerie, Bonn, Alemania.

Antifluorescentes, 2012. Cera/papel.

Antifluorescentes, 2012. Cera/papel.

Antifluorescentes, 2012. Cera/papel.

clementschneider.de

Ádám Albert, Kirstin Arndt, Frank Badur, Joachim Bandau, Detlef Beer, Hubert Berke, Susan Engledow, Nadine Fecht, Alison Hall, Emily Hass, Marietta Hoferer, Sofia Jack, Arjan Janssen, Schirin Kretschmann, Ulrike Kötz, Michael Kukla, Maik & Dirk Löbbert, Stefan Löffelhardt, Theresa Lükenwerk, Bettina Marx, Thomas Müller, Matthew Northridge, Karim Noureldin, Brian O’Doherty, Martin Pfeifle, M Pravat, Carlos Schwartz, David Semper, Kate Shepherd, Peter Schloss, Oliver Schuß, Kamilla Szij, Peter Tollens, Thomas Vinson, Joan Waltemath, Albert Weis, Stephen Westfall, Joan Witek, John Zinsser, Beat Zoderer 
Wir lieben die Zeichnung … von abstrakt bis gegenständlich, von Klein- bis hin zu Großformaten, von der schnellen Skizze bis zum minutiös ausgearbeiten Blatt, von der prozessualen bis zur streng konzeptuellen Arbeit. Die fünfte Ausstellung der Reihe „Papier / Paper“ folgt ganz unserer Leidenschaft für die Zeichnung und keiner Programmatik. Im Fokus steht die Arbeit mit den klassischen Mitteln - Stift und Papier. 

Mi contribución a esta exposición colectiva consistió en cuatro bocetos del proyecto Antifluorescentes (a partir de Dan Flavin). Se trata de contraponer los fluorescentes de Dan Flavin a sus “negativos fotográficos”. Transformar la transparencia y luminosidad de las lámparas en opacidad y sombra, conseguir así “materializar” los fluorescentes, reconfigurar su posición en el espacio y señalar su presencia como objeto, mostrando lo que la luz no deja ver.

“Interpretación / Representación” Exposición colectiva en Sociedad Anónima, Madrid, España.

"Lámpara 1" 2015

"Lámpara 2" 2015

Vista instalación "Lámpara 1" y "Lámpara 2"

Sociedad Anónima se complace en presentar a partir del próximo jueves 26 de Noviembre la exposición colectiva Interpretación/Representación.

Según el diccionario de la Real Academia Española, interpretación: acción y efecto de interpretar. Interpretar: concebir, ordenar o expresar de un modo personal la realidad. Representación, según el mismo diccionario, imagen o idea que sustituye la realidad.

Interpretar, representar la realidad-mundo son dos vertientes del trabajo de los artistas. Funcionan, en cierta medida, como herramientas en la elaboración de las obras, pues condicionan los métodos conceptuales y, cómo no, formales que usan los artistas en su trabajo. La realidad interpretada varía sensiblemente respecto a la realidad representada, aunque los métodos de representación pueden ser, y de hecho lo son, elementos de interpretación. Pensamos que puede ser interesante tratar de deslindar, aunque sea someramente, la relación que puede tener el trabajo de los artistas con el contexto en el que se insertan, con el mundo que les rodea.

Sofía Jack, en palabras de Elena Vozmediano, hace una “representación” de las complejidades de la modernidad, sus procesos y conflictos. En Explosión Challenger, 2015, la estela de humo que marca la detonación del transbordador espacial se convierte en la representación del fin de la carrera espacial como utopía de progreso.
Alfonso Galván concibe sus trabajos en el ámbito de la interpretación, es decir, ordena y expresa de un modo personal la realidad. Sus pinturas, de una depurada técnica realista, ponen en evidencia su capacidad para transformar la observación (visual) en reflexión.
La práctica artística de Elena Blasco es una representación de su muy personal interpretación de la realidad. En sus trabajos confluyen las dos formas de imaginar el mundo. Primero tamiza sus vivencias en personalísimas interpretaciones que luego representa con el más refrescante desparpajo. Su serie Interiores Amarillos se inserta en la vieja y venerable genealogía de la representación de interiores, pero ¿quién podría vivir en habitaciones tan amarillas? Parecen un espacio mental e incandescente.
Similar explosión de color -metódica y ordenada, como todo su trabajo- nos trae Julio Galeote desde el Caribe norteamericano tras su aprovechada estancia en Miami. Julio ha escudriñado en el breve pasado histórico de la metrópoli a través de esas actas modernas que son las fotografías del Museo de la Ciudad. Junto a este trabajo,el presente rabioso se contrapone con unas representaciones icónicas de fuerte sabor caribeño.
Albert Weis, con sus fotografías hace presente la arquitectura de la Philharmonie berlinesa. Apunta con el objetivo de su cámara a los rincones y detalles del edificio las líneas y claves generatrices del edificio. Los collares que las acompañan remarcan la relación utopía-geometría-arquitectura. Linaje de donde proviene muchos de los grandes logros de las vanguardias del siglo pasado.
Sin embargo, Sergio Belinchón, en su serie Venus Grotto usa la imagen fotográfica como herramienta de interpretación. Las cuevas más famosas se han convertido, por obra del turismo de masas, en lugares banales y masificados. Belinchón los fotografía en todo su artificio kitsch, entre romántico y surrealista, poniendo en evidencia la capacidad humana en trivializar los lugares y las experiencias.
Gonçalo Pena, en sus pinturas y dibujos, nos transmite un mundo vibrante lleno de analogías, yuxtaposiciones y superposiciones de conceptos culturales. Constituye así, una gran amalgama de relaciones y experiencias personales con claves de interpretación de todo tipo, que en su arbitrariedad e incontinencia acaba por traslucir su coherencia y su monolítica unidad.
Carlos Schwartz explora con sus instalaciones las conexiones de los objetos, el espacio y la luz. Busca, a través de ellas, las claves para la interpretación de nuevos significados. Lámpara 1 y Lámpara 2 son dos piezas hechas con materiales de construcción. Dos trozos de vigas de madera que cuelgan del techo, sujetando sendos fluorescentes.
Daniel Barroca es el último artista en incorporarse a Sociedad Anónima. Sus investigaciones tratan de las relaciones entre forma e imagen. En sus dibujos podemos ver la actividad de su mente. Esquemas, figuras y escrituras forman imágenes que representan un mundo hecho de repeticiones, ilusiones temporales, divisiones, detalles y ecos de un origen incierto. Lo real y lo irreal se funden en una sola memoria que se convierte en verdad. Cada dibujo, cuaderno, obra nos llevan a un específico estado mental donde el pasado es la materia que da forma a la imaginación.

Exposición en la Galería JM, Málaga, España

Caja, 2015. Cartón, fluorescente.

Taburetes fsny, 2015. Acero inoxidable, fluorescentes.

Círculo II, 2015. Sillas, fluorescentes.

S/T (silla + lámpara) 2011. Cera sobre papel japonés. 40 x 30 cm c/u.

Desde los años 90, el trabajo de Carlos Schwartz se ha desarrollado bajo la misma premisa: dar a los objetos cotidianos un aura trascendente usando la luz y buscando una disposición teatral en el espacio. La evolución de su trabajo, desde sus pinturas de los ’90 a los objetos re-usados en los ‘2000, va progresivamente internándose en un simbolismo conceptual cada vez más denso. La luz genera una “lógica de extrañamiento”, pone de manifiesto la dialéctica de lo permanente y lo evanescente, lo fijo y lo cambiante, lo claro y lo oscuro. Juegos de contrarios que crean planos de significado en los que las obras muestran su potencial narrativo y simbólico.

Esta exposición está integrada por tres obras con luz y papeles de dos series diferentes pero relacionadas. En la entrada nos encontramos con “Caja” 2015, que es una caja de cartón con un fluorescente, un ensamblaje de naturaleza frágil y evanescente. Una caja para guardar la luz. En la sala principal de la galería nos encontramos con la instalación “Círculo (Testigo oculista)” 2015.

Esta obra es parte de un corpus más amplio de trabajos que nacen de las reflexiones del artista en torno a la obra de Marcel Duchamp. Esta obra se basa en los “Testigos oculistas” que están en la mitad inferior del “Gran Vidrio” de Duchamp. Schwartz considera que estos testigos son como tres lentes esquemáticas, pero también se podrían interpretar como una pupila para observar el proceso de transporte de los gases málicos a la Novia. En “Círculo(Testigo oculista)” las seis sillas portan los fluorescentes que dan forma al esquema de la lente o pupila. Una pupila de un ojo que ya no mira a la Novia, sino que se ha vuelto hacia el espectador. Una metáfora de la observación y el estudio al que todos estamos expuestos en internet. En la sala del piso inferior, un conjunto de tres esculturas de acero inoxidable y fluorescentes  bajo el nombre “Taburete(f.s.b.)” 2015 pone el acento en los trabajos que Schwartz ejecuta tomando como referente los objetos de uso cotidiano.

Estos “Taburete(f.s.b.)” están inspirados por los que Mies van der Rohe y Philip Johnson diseñaron para el bar del restaurante Four Season en Nueva York. En estas piezas Schwartz ha usado la estructura geométrica de las patas para colocar los fluorescentes de forma que continue las líneas del dibujo del diseño de los taburetes. El artista coloca los muebles en un nuevo plano de significado, al hacer énfasis en la naturaleza del objeto como idea dibujada en el espacio.

Acompañando a las obras de luz se muestran papeles de dos series diferentes.

“Sin título” 2012 (sillas y lámparas), y y bocetos para instalaciones con luces.

Carlos Schwartz, Islas Canarias 1966. Vive y trabaja en Madrid y Berlín. 

En años anteriores ha expuesto su obra en la Galería Graça Brandao, Oporto, Galería ArtNueve, Murcia, Galería Fúcares, Madrid, Galería JM, Málaga, Sociedad Anónima, Madrid, Tenerife Espacio de las Artes, Tenerife, Museo Patio Herreriano, Valladolid, así como la 80wse de la Universidad de Nueva York, y en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias, Colombia. 

Su obra figura en las colecciones de MNCARS, Madrid, Artium, Vitoria, MPH, Valladolid, TEA, Tenerife.

Forum ArcoMadrid34: "Cartagena: descubriendo Colombia"

Berta Sichel, Barbara Krulik y artistas participanten en la BIACI. Carlos Schwartz es el primero por la derecha.

El pasado sábado 28 de febrero tuvo lugar en el Foro de ArcoMadrid34 el panel Cartagena: descubriendo Colombia.

Berta Sichel, directora artistica de BIACI, Barbara Krulik, curator del programa de performances, Nuria Carrasco, Federico Guzmán, Guillermo Paneque, François Boucher, Luis Fernando Ramírez Celis y Carlos Schwartz, artistas participantes, tuvieron la oportunidad de contar sus experiencias profesionales y personales durante la organización y lanzamiento de la BIACI. 

Se puso especial énfasis en el hecho de que Cartagena de Indias es una ciudad que no contaba con las infraestructuras y el personal habitual para el montaje y organización de estos eventos, cómo el entusiasmo y las ganas de llevarlo a cabo permitieron superar todo tipo de vicisitudes. 

La Bienal supuso la apertura de la ciudad al arte contemporáneo. Se hizo hincapié en la excepcional recepción que tuvo el programa de exposiciones y el programa educativo entre el público de Cartagena en particular y el de Colombia en general.

Entre los asistentes al panel estaba parte del equipo directivo de la BIACI y algunos de sus Fundadores.

biaci.org

Vistas de la exposición "3 Proyectos + 1 Instalación"

Vista del Hall de entrada de Sociedad Anónima con la instalación de Carlos Schwartz.

Vista de la Sala 1 con los paneles del Atlas de la memoria (sin imágenes)

Atril, con los bocetos del Atlas

Atlas de la memoria (sin imágenes) Panel 1

Atlas de la memoria (sin imágenes) Panel 2

Sala de reuniones con T L-F (2.0121)

Vista instalación Antifluorescentes en la Sala 2

Vista instalación Antifluorescentes

Vista instalación Antifluorescentes

Nueva exposición de Carlos Schwartz: 3 Proyectos + 1 instalación en Sociedad Anónima.

T L-F morse (2.0121) 2014. Lápiz y témpera/papel.

Antifluorescente, 2012. Cera/ papel.

Atlas de la Memoria (sin imágenes) 2014

Vista instalación T L-F morse.

Sociedad Anónima. Arte Contemporáneo Europeo se complace en presentar la primera exposición en su espacio de Carlos Schwartz: 3 Proyectos + 1 Instalación.

Inauguración: Jueves 19 de Febrero a las 8 de la tarde.

Del 20 de Febrero al 1 de Abril de 2015.

Desde los años 90, el trabajo de Carlos Schwartz se ha desarrollado bajo la misma premisa: dar a los objetos cotidianos un aura trascendente usando la luz y buscando una disposición teatral en el espacio. La evolución de su trabajo, desde sus pinturas de los ’90 a los objetos re-usados en los ‘2000, va progresivamente internándose en un simbolismo conceptual cada vez más denso. La luz genera una “lógica de extrañamiento”, pone de manifiesto la dialéctica de lo permanente y lo evanescente, lo fijo y lo cambiante, lo claro y lo oscuro. Juegos de contrarios que crean planos de significado en los que las obras muestran su potencial narrativo y simbólico.

La exposición, como indica su título, consta de cuatro partes, Los proyectos son: Atlas de la memoria (sin imágenes), T L-P morse y Antifluorescentes (a partir de Dan Flavin); y una instalación en el hall de entrada de la Galería.

Atlas de la memoria (sin imágenes): Esta obra se encuadra dentro de un proyecto de trabajo basado en la obra ”Atlas Mnemosyne” de Aby Warburg. El “Atlas Mnemosyne”  es un conjunto de 62 paneles fotográficos, que en palabras de su autor “quiere ser ante todo un inventario de los modelos antiquizantes preexistentes que influyeron en la representación de la vida en movimiento y determinaron el estilo artístico en la época del Renacimiento”. Un corpus de imágenes y formas artísticas que exigieron de los artistas renacentistas, o bien el distanciamiento de ellas, o bien la asimilación de ese imaginario bifronte: Apolo-Dionisio.

Cada panel es una imagen cuya geometría configura otra imagen. Al copiar los paneles, conservando solo los rectángulos blancos de las fotografías, Schwartz ha intentado desentrañar el orden geométrico de los paneles. Al tiempo que se plantea un ejercicio de memoria: ¿Cómo son las imágenes que no están? ¿Cuáles son las que recuerdo?

Al ser el Atlas de Warburg un catálogo de imágenes que describen la transformación de las formas paganas en gestos cristianos, borrar las imágenes nos permite hacer otra transformación, los gestos cristianos renacentistas se convierten en pathos actual. Sustituir las imágenes del Renacimiento por las de nuestro bagaje personal nos permite reconstruir el atlas con la mirada, gestos y situaciones del presente. En definitiva, re-imaginar el atlas con nuestra memoria.

T L-P morse. Este proyecto consiste en la traducción a lenguaje morse del “Tractatus logico-philosophicus” de Ludwig Wittgenstein. Esta obra es uno de los hitos culturales del siglo XX. Trasladarlo al lenguaje morse es un intento de convertirlo en un “objeto luminoso”. La rígida estructura del texto, su formulación en aforismos estrictamente numerados y agrupados, se hace, así, transparente y luminosa. La luz se convierte en el signo que representa al Tractatus, en la medida que ésta no se puede enunciar y sí puede mostrarse.

El proyecto se desarrollará en tres partes :

- Una proyección de video con la obra traducida a lenguaje morse transmitido con luz.

- La traducción en papel Din A-4 cuadriculado de cada aforismo individualmente a partir de la edición alemana.

- La reproducción de la traducción morse en papel ordenada en ficheros A-Z.

Antifluorecentes (A partir de Dan Flavin). Este proyecto trata de contraponer los fluorescentes de Dan Flavin a sus “negativos fotográficos”. Transformar la transparencia y luminosidad de las lámparas en opacidad y sombra, conseguir así “materializar” los fluorescentes, re-configurar su posición en el espacio y señalar su presencia como objeto, mostrando lo que la luz no deja ver.

Carlos Schwartz, Islas Canarias 1966. Vive y trabaja en Madrid y Berlín. En años anteriores ha expuesto su obra en la Galería Graça Brandao, Oporto, Galería ArtNueve, Murcia, Galería Fúcares, Madrid, Galería JM, Málaga, Tenerife Espacio de las Artes, Tenerife, Museo Patio Herreriano, Valladolid, así como la 80wse de la Universidad de Nueva York, y en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias, Colombia. Su obra figura en las colecciones de MNCARS, Madrid, Artium, Vitoria, MPH, Valladolid, TEA, Tenerife.

Exposición colectiva en Sociedad Anónima: (Re)visiones de la naturaleza.

                                                                                 Sin título, 2014

(Re)visiones de la Naturaleza

Sociedad Anónima se complace en presentar una selección de trabajos de sus artistas con la intención de ofrecer una visión, otra, de la naturaleza y el paisaje en las prácticas artísticas actuales.

Bajo el título (Re)visiones de la naturaleza, esta exposición pretende, sin una ambición distinta de la que sus artistas manifiestan en sus trabajos, mostrar diferentes imágenes y modos de aproximación a la representación de la naturaleza. La diversidad de medios, que va desde la pintura al óleo hasta la instalación lumínica, pasando por la fotografía y el dibujo, proporcionan a esta muestra un necesario campo de experimentación conceptual y nos proporciona la medida de la capacidad que los nuevos medios artísticos tienen para insertarse en la tradición sin olvidar los géneros que siempre han preocupado a los artistas y a los espectadores.

La representación de la naturaleza no es solo su imagen pintada o fotografiada, es decir el paisaje o las imágenes de los seres vivos en su contexto, también es, o mejor, está en muchas cosas cotidianas con los que nos gusta rodearnos: jarrones, platos, estampados de telas, y un sinfín de objetos. A su vez, un jardín es una visión de lo natural trasplantado al entorno urbano. Una ventana abierta no solo nos enseña un paisaje, también llena de luz la habitación, y unas escaleras aluden a la idea de una cordillera.

La acción humana ha transformado el espacio natural mucho más allá del propio urbanismo y la explotación de recursos, ha cambiado el destino de las otras especies animales. Las ha confinado en espacios cerrados, parque nacionales, cotos, etc. También las ha obligado a adaptarse a la industrialización que le ha impuesto al planeta. Pero la propia condición humana nos obliga a replantearnos constantemente la relación con nuestro entorno, la preocupación por el cambio climático, el modo de cultivo de los alimentos, el urbanismo desaforado, la contaminación, que siendo temas que se escapan de esta exposición, no podemos ignorar y dejar de tener presentes. Solo esperamos poder mostrar una pequeña panorámica que ponga el acento en la necesidad de la reflexión crítica de los sistemas de producción y explotación de la naturaleza. Tema que no está tratado directamente sino indirectamente, deducido de la necesidad de la observación de la naturaleza para mejor entendernos a nosotros mismos.

Artistas participantes:
Elena Blasco, Julio Galeote, Alfonso Galván, Sofía Jack y Carlos Schwartz.

                                                                                                             

Vertical, 2014

 
En 1920 Katherine Dreier, Man Ray y Marcel Duchamp creaban la Société Anonyme Inc. En 2014 Javier Bravo, con el apoyo de un grupo de colaboradores y de artistas, crea Sociedad Anónima, Galería de Arte contemporáneo europeo. Cuando Man Ray puso el nombre de Société Anonyme no sabía mucho francés (y posiblemente tampoco sabía mucho de empresas) y lo eligió pensando más en una asociación anónima que en un tipo de empresa. La Sociedad Anónima de hoy nace con la misma ironía del juego de sentidos, pero sus fundadores saben perfectamente español y bastante de empresas y economía. El 16 de octubre inaugura su primera exposición en sus salas de Gran Vía, 15, con un excelente artista que recuperan como muestra de su planteamiento de propósitos: Alfonso Galván. Arte español, arte de calidad, arte europeo. La idea de exponer, educar, participar, de recuperar el arte de todos los estilos, considerando solamente la idea de calidad, está detrás del corto pero ya interesante plantel: Alfonso Galván, Juan del Junco, Elena Blasco, Carlos Schwartz, Julio Galeote y Sofía Jack. Igual que la antigua Société Anonyme la actual Sociedad Anónima se plantea organizar conferencias, exposiciones, publicaciones de arte moderno, en esta ocasión no de una forma nómada, sino con su excelente sede en el corazón de Madrid, una de las ciudades europeas que tienen que empezar a contar en el panorama europeo del arte actual. Un proyecto casi utópico en una sociedad general en la que las galerías no abren, sino que cierran, en la que el arte español no brilla sino que se oculta. Bienvenidos y buena suerte.*


* Nota publicada en Exit-express con motivo de  la inauguración de Sociedad Anónima, espacio en el que está expuesta esta obra.

"Nota 289" 2013, neón.

DUCHAMPIANA, POR CARLOS SCHWARTZ

La Galería Art Nueve se complace en presentar la segunda exposición individual de Carlos Schwartz (Tenerife, 1966) desde el próximo día 9 de abril.

La muestra titulada Duchampiana se compone de un conjunto de siete obras realizadas en neón, papel, madera y fluorescentes a lo largo de 2012 y 2013. La idea del proyecto nació durante la visita que el artista realizó al Philadelphia Museum of Art, en 2011, donde pudo contemplar en directo las obras de Marcel Duchamp del legado Arensberg y el “Gran Vidrio”; pero, según el proyecto iba avanzando, se incorporaron más trabajos del corpus duchampiano. La muestra es un intento de rememorar el efecto producido por la visión de esas obras. La utilización del neón y de los fluorescentes da como resultado la proyección  esas piezas en el espacio que las rodea y, en cierta medida, las desmaterializa.

En La Vía Láctea y tres pistones de aire (2012), que recibe otras denominaciones como Halo de la novia, Inscripción superior, Florecimiento cinemático, realizada en neón, el artista ha reflexionado sobre el pensamiento de Marcel Duchamp, cuando afirmaba: “Es la suma de sus espléndidas vibraciones: gráficamente no se trata de simbolizar a través de una pintura grandiosa ese feliz objetivo, el deseo de la novia, sino que, de una manera más patente, en todo este florecimiento la pintura vendrá a ser un inventario de los elementos de dicho florecimiento”. Es decir, la Vía Láctea del Gran Vidrio es la pintura del florecimiento de la novia, no su símbolo, solo su signo. Hoy, en día, que ha sido ya abolida la moral sexual tradicional, el “florecimiento cinemático” de la novia tiene una dimensión diferente. La novia fue desnudada automáticamente, lo que queda es el mecanismo estético de dicho automatismo. El Gran Vidrio es un aparato que funciona por sí y para sí (mismo), con la autosuficiencia de las obras maestras.

Por otra parte, Trois stoppage étalon (Tres paradas estándar), 2013, también realizada en neón, parte de un experimento azaroso: Duchamp deja caer un trozo de cuerda de un metro de longitud tres veces. Cada vez la cuerda hizo un dibujo diferente que el artista adoptó como unidades de medida para obras posteriores. Estamos ante tres líneas (curvas) que miden un metro cada una, pero no en su longitud, sino en una magnitud diferente. Podemos lanzar la cuerda las veces que queramos y siempre tendremos un metro de diferente dimensión, pues la cuerda caerá siempre en una posición distinta. En cierta manera, el patrón metro había sido refutado. Al transformarlas en neón se produce una acción de desmaterialización de las cuerdas. El tubo de vidrio que contiene el gas con que se ilumina, copia las líneas de los stopagges. El neón las hace luz. El metro refutado vuelve a su estatus de unidad de medida, pero ahora de una magnitud mental.

Otra obra, realizada de igual modo con neón es  Nota 289 (2013) , en la que se puede leer, “La vie à crédit” (La vida a crédito),  alude con cierta ironía a La vida en rosa, La vida de Rrose(Selavy), pero también a La vida fácil, la vida libre. Mientras en Puerta (2014), emplea la madera y los fluorescentes, un ready-made rectificado, que rememora la petición de  Duchamp a Anton Pevsner y Man Ray  para que le ayudaran a instalar, en 1927,  un cuarto de baño en el apartamento del 11 de la rue Larrey. En una esquina del dormitorio instalaron una puerta que cerraba los dos huecos, pero no simultáneamente.

Cierra la muestra Tablero (2013),  un ready-made en madera, ya que para Duchamp “todos los jugadores de ajedrez son artistas” y el tablero de ajedrez-territorio para el arte, el arte como metáfora del mundo.

Laberinto de luz. #1 Bienal de Cartagena de Indias, Colombia.

Boceto de la planta de la instalación. 

Vista lateral izquierda.

Detalle de la instalación.

Vista lateral derecha.

biaci.org

El espacio asignado para la instalación Laberintos de luz está localizado en la calle del Triunfo, en un  jardín que discurre paralelo a la muralla, un referente del pasado colonial de Cartagena de Indias. Esta ubicación me sugirió proyectar un castillo de papel, como metáfora de las murallas burocráticas a las que estamos sujetos en la actualidad; pero, a la vez, en sintonía formal con los cuadernillos-acordeón japoneses, que se pliegan y despliegan.

La utilización de la luz, como elemento primordial de la instalación no es casual, sino que busca transcender el espacio bidimensional de mis dibujos y pinturas, anteriormente poblados de velas encendidas, soles, laberintos, llamas, flechas, barcas, elementos cargados de simbolismo espiritual, que forman parte de mi lenguaje plástico desde 1994, para irrumpir a partir del 2002 en forma de objetos y, tres años más tarde, intervenir en el espacio mediante las instalaciones lumínicas con las que crear un nuevo plano de percepción y de significado.

La luz posee una doble vertiente, que se deduce de su propia naturaleza, como onda, la que ilumina el espacio visual y como partícula, cuya energía se expande más allá de las fronteras físicas, un aspecto este último que se contrapone con la solidez y finalidad defensiva de los bloques de la muralla, ya que las partículas de luz recorren espacios infinitos.

 Las estructuras metálicas con los fluorescentes de la instalación recorren el jardín, bordeando los árboles y palmeras en planos angulares, cuyo desarrollo remite a ciertos ejercicios pedagógicos de Paul Klee, en los que deconstruía una estrella de seis puntas, iluminando con diferentes colores los distintos entramados.

Esa interacción entre el pasado y el presente, entre piedra y luz, invita a reflexionar en torno a las fronteras físicas y burocráticas del mundo globalizado, pero quiere provocar al mismo tiempo una experiencia espiritual en el espectador, mientras contempla el laberinto de luz.

Cuadrado con luz blanca descompuesta en cuatro colores.

Instalación en Bernauerstr. 49 Berlín para la inauguración de las proyecciones del programa “A window in Berlín”.

Cuadrado con luz blanca descompuesta en cuatro colores.

Autor: Carlos Schwartz.

Fecha: 2013.

Dimensiones según instalación.

Vallas de obra, lámparas fluorescentes y material eléctrico.

Es una obra proyectada con elementos simbólicamente contrapuestos: vallas y luz. Las vallas contienen, como una lámpara, las luminarias de luz fluorescente.

Metafóricamente las vallas aluden a la separación y a la frontera, a lo que hay que resguardar. La luz es lo que no se puede contener, lo que se expande. Y es en esa contradicción donde se activa el potencial simbólico de la obra. Las vallas portan la luz pero no pueden contenerla. La luz en su doble naturaleza de onda y partícula se nos muestra en colores pero la percibimos blanca, está encerrada pero se expande más allá de las vallas.

Así mismo, los materiales aluden al contexto en el que serán exhibidos, un solar para una finca urbana.

awindowinberlin.com